Réviser les notions de marketing de base ( 10%)

Analyser des campagnes de marketing (20%)

Concevoir une campagne à la lumière des notions de marketing (20%)

Réaliser un projet multimédia : vidéo    (60%)

Publier un projet multimédia (10%)

Notre environnement est en constante évolution. Le marché s’est
mondialisé. Des économies comme la Chine, l’Inde ou le Brésil connaissent
un véritable boom alors que les pays développés stagnent.
Aujourd’hui, vos clients consultent presque systématiquement internet
avant de réaliser tout nouvel achat. Ils réalisent ensuite leur achat en
magasin, sur le web, et parfois même sur mobile.
Ceci entraîne de nombreuses évolutions de notre environnement
concurrentiel. Le marketing doit innover constamment. Il utilise de nouvelles
techniques pour influencer des consommateurs toujours plus conscients et
avertis. Certaines théories et pratiques marketing se sont complexifiées,
d’autres sont obsolètes ou sont toujours applicables à 100%.

• Fonction reliant une entreprise aux besoins et désirs de ses clients
  afin d’obtenir le bon produit, au bon endroit et au bon moment.
• Accomplissement des objectifs d’une entreprise au travers d’une
  meilleure rencontre des besoins du client que celle de la
  concurrence.
• Processus de gestion qui identifie, anticipe et fourni efficacement
  et profitablement les exigences du client.

Cette publicité longue destinées aux réseaux sociaux mérite le détour en zterme de concept.

https://www.youtube.com/watch?v=o5xLesvxpBA

Pour devenir incontournable dans l’esprit de vos consommateurs, vous devez occuper une place de choix.

En tant que stratège vous allez contrôler la manière dont vous êtes perçu par le client.

Vous devez vous positionner sur un angle qui vous différencie de vos concurrents.

L’automobile a été le théâtre de nombreuses innovations qui ont modifié les véhicules au cours d’un siècle.

L’invention de la direction assistée est un exemple.

Pour positionner votre image, vous pouvez choisir l’argument du confort de conduite et de la sécurité que cette invention procure.

Pour se positionner il faut identifier les 2 dimensions les plus importantes du moment qui comptent pour le client.

Exemple, disons,  le style retro et l’écologie.

Vous pointerez sur votre produit, les éléments qui répondent au mieux à ces points.

Plutôt que de ratisser large en vous adressant à l’ensemble de votre marché, vous pouvez améliorer votre performance en découpant ce marché en segments.

Un segment est un groupe de personnes homogène enclin à utilisrer vos produits et intéressants en terme de chiffre d’affaires.

La segmentation sera effectuée en cherchant des caractéristiques partagées èar un nombre signifiant de personnes, les caractéristiques peuvent être :

• Besoins spécifiques
• Données socio-démographiques
• Données géographiques
• Comportements d’achat
• etc.

La taille du segment détermine la rentabilité d’un marché. Cette taille doit être bien estimée pour adapter votre offre.

Un fitness s’adresse à une large part de la population, mais les attentes de chacun peut fortement différer. Notre travail est de le segmenter selon des critères à définir.

La définition des segments peut s’avérer difficile. Trop détaillés, il perdent en rentabilité. Trop globaux, le ciblage marketing rate sa cible.

Un segment est dit opérationnel s’il est facile à cibler et qu’il dégage un profit intéressant

Plus vous concentrez vous efforts sur une cible précise plus vos investissement dans une opération de marketing seront élevés.

Tout l’enjeu consiste à définir un couer de cible clair, identifiable et atteignable qui s’intéresse à vos produits.

La segmentation est un des moyens de cibler votre action de marketing, mais ce n’est pas le seul.

Vous pouvez aussi trouver des points communs parmi vos clients actuels pour créer un coeur de cible.

Il est important de définir le portrait de votre client idéal que l’on peut appeler persona ou avatar.

Il s’agit de dresser un profil pour mieux le cibler, le comprendre et le convaincre.

Pour celà il est important de connaître vos clients par les informations que vous disposez d’eux et de ceux que vous pouvez trouver sur les réseaux sociaux par exemple.

Vous pouvez identifier tous les critères sociaux démographiques de votre client.

Connaître ses centres d’intérêt peut s’avérer très utile pour personnaliser une approche de vente.

Demandez-vous ce que votre client rêve ou désire atteindre et les freins qu’il rencontre sur son chemin.

• Le portrait type de la cible
• Les critères socio-démographiques
• Ses intérêts principaux et secondaires
• Sa consommation des médias
• Ses rêves et ses désirs, ou ses objectifs
• Les obstacles, problèmes ou soucis

Une fois que vous connaissez ces éléments vous disposez de tout ce qu’il faut pour le cibler.

L’expression ‘Mix Marketing’ est l’une des plus employée en marketing.

Il s’agit de la combinaison des composants de la commercialisation d’un produit.

Le marketing mix est également connu sous le nom des ‘4 P’ :

• Produit
• Prix
• Place (distribution)
• Promotion (communication).

Eléments qui caractérisent le produit :

• Qualité
• Caractéristiques et options
• Marque
• Style
• Tailles
• Conditionnement
• Service après vente
• Garantie

Eléments qui caractérisent le produit :

• Tarif
• Remise
• Rabais
• Conditions de paiement
• Conditions de crédit

Eléments qui caractérisent la place :

• Canaux de distribution
• Points de vente
• Zones de chalandise
• Stocks et entrepôts
• Assortiment
• Moyens de transport

Eléments qui caractérisent la promotion :

• Publicité
• Promotion des ventes
• Force de vente
• Marketing direct
• Relations publiques

Vous ne voulez pas ajouter de nouveaux produits ou services à votre portefeuille ou attaquer de nouveaux marchés ? Dans ce cas, la pénétration du marché constitue la bonne stratégie pour la croissance de votre entreprise. La croissance s’enclenche alors en reprenant un plus grand nombre de clients de la concurrence sur le marché existant. La stratégie compte également sur une augmentation des ventes de votre clientèle existante, c’est-à-dire qu’elle vise à motiver vos clients à effectuer plus d’achats. Pour cela, il est nécessaire de mettre en œuvre de nouvelles stratégies de marketing. L’utilisation d’une politique de prix ajustée permet également d’obtenir de bons résultats. Afin d’augmenter les ventes de clients existants en particulier, une formation à la vente est aussi recommandée.

Même si vous pouvez attirer de nouveaux clients sur le marché, la croissance est limitée avec la stratégie de pénétration du marché car le nombre de clients dans un marché est limité. Afin de déterminer le potentiel de croissance de votre entreprise avec cette stratégie, vous devez donc d’abord connaître votre taux de pénétration du marché.

Le développement de marché est une toute autre chose : cette stratégie d’Ansoff est adaptée si vous souhaitez conserver votre portefeuille de produits existants mais si vous pouvez aussi attaquer de nouveaux marchés.

Cela signifie, par exemple, ouvrir sur une autre région géographique ou élargir votre cible. Pour parvenir à atteindre une croissance efficace avec le développement de marché, il est nécessaire d’investir de manière significative en marketing, encore plus qu’avec la stratégie de pénétration du marché.

Compte tenu de l’engagement financier important, cette stratégie comporte un certain risque.

Lorsque vous vous établissez avec un nouveau produit sur un marché existant, la stratégie de croissance « développement de produit » est appliquée. Vous avez deux options différentes : soit développer un produit entièrement nouveau pour votre cible, soit produire une variante d’un produit que vous vendez déjà.

Si vous prenez en compte les commentaires et avis des clients, vous pourrez mieux adapter le produit nouvellement créé ou modifié à votre cible. Les coûts de cette stratégie sont relativement élevés, car le développement de nouveaux produits ou services coûte cher.

Là aussi, il y a un risque : ce n’est qu’en introduisant le nouveau produit sur le marché que vous pourrez observer s’il a du succès ou non.

Tout projet créatif ou toute réalisation doit commencer par une phase de réflexion.

Elle permet de répondre à certaines questions qui mettront en exergue les informations capitales pour le scénario.

• Quelle est ma cible ? Que fait-elle ? Qui est-elle ? Pourquoi aimerait-elle être cliente ? A quels arguments sera-t-elle sensible ?
• Où seront réalisés les plans de la vidéo ?
• Quel est le but de ma vidéo ? Quelle impression souhaitez-vous donner ?
• Quelles sont les informations à mettre en avant dans la vidéo ?

Ecrire et faire évoluer le scénario

Le but de l’écriture de ce script est d’obtenir le meilleur scénario pour votre vidéo d’entreprise.

N’oubliez pas que ce scénario doit être un discours oral. Ne soyez pas trop formel, écrivez comme si vous parliez. Votre scénario sera utilisé comme voix off. Il faut donc que la vidéo soit réaliste. La vidéo d’entreprise doit créer une proximité avec votre client potentiel.

Après ce premier jet, relisez-vous 1 h à 2 h après, pour avoir un regard neuf sur votre écrit et mettez-vous à la place de votre client. Lisez-le à haute voix. Votre script est-il percutant ? Si vous en doutez, récitez-le devant une personne en dehors de votre activité, un ami ou de la famille.

Le storyboard permet de réaliser visuellement l’enchaînement de vos plans et de penser à l’association entre les images et le discours.
Cette étape ne peut pas commencer si vous n’avez pas fini le scénario.

La création d’un storyboard peut se faire de différentes façons :

• sur PowerPoint,
• à la main sur des feuilles de papier,
• sur des logiciels ad hoc

Dans un premier temps, notez dans différentes cases les mots-clés selon le scénario pré-rempli. Ensuite, ajoutez sous les cases mots-clés, de nouvelles cases dans lesquelles vous ajouterez des images correspondant au plan vidéo.

Pour justifier le produit sur lequel vous allez allouer vosu ressources, vous pouvez utiliser la matrice du Boston Consulting Group, aussi appelé BCG.

Dans une matrice à quadrant vous illustrez sur l’axe horizontal les part de marché de votre produit ( du leader au suiveur )

Et sur l’axe vertical, vous indiquez le de gré de croissance du marché.

En découpant ce graphique en 4 parties vous avec 4 zones bien déterminées

Croissance haute + part de marché leader = vedette

Croissance basse + part de marché leader = vache à lait

Croissance haute et part de marché suiveur = dilemme

Croissance basse et part de marché suiveur = poids mort

Vous permet de devenir un acteur principal du marché.

Vous devez soutenir ce produit par des invesstissements pour suivre l’évolution du marché.

Ce produit vous rapporte beaucoup et ne demande plus d’investissement.

Votre potentiel est grand, mais vous devez investir massivement pour entre dans la cadre des leaders.

Vous besoin en ressources est important.

La seule solution est de vous débarrasser de ce produit qui n’est promis à aucun avenir.

Ce produit va coûter à l’entreprise.

Une analyse SWOT est un diagnostic pour mieux identifier vos options stratégiques et vos actions marketing.

Swot est un acronyme signifiant Strenghts ( forces ) , Weknesses ( faiblesses ) , Opportinities ( opportiunités ) et Threaths ( risques )

Les domaines dans lesquels vous êtes objectivement meilleur que les autres acteurs de votre secteur.

Il peut s’agir d’un savoir-faire, de brevets ou de tout autre avanatge qui vous donne une longueur d’avance sur vos concurrents.

Ce sont les domaines dans lesquels vous êtes objectivement moins bon que vos concurrents.

Vous pouvez ici identifier des lacunes ou d’autres limites de ressources.

Les forces et faiblesses sont les facteurs internes à votre activité.

Les facteurs externes, sont d’une part, les opportunités.

Ce sont les leviers externes sur lesquels vous appuyez pour obtenir un avantage.

Vous pouvez ouvrir de nouvelles perspectives de croissance comme créer un nouveau marché.

Les risques sont les menaces externes qui pèsent sur votre croissance et même l’intégrité de votre activité.

Les exemples sont nombreux : des règlements, des évolutions technologiques ou des nouveaux venus sur le marché.

Le temps récents ont étendu ces exemples aux pandémies ou aux pressions de groupes organisés.

Michael Porter , auteur du livre « L’avantage compétitif », a créé un modèle qui redéfinit la notion de concurrence.

Il s’appuie sur 5 forces qui influent sur vos affaires.

Ce premier facteur vise à étudier et à prendre en compte l’impact de la négociation des clients pour une entreprise.
En effet, sur un marché, les clients détiennent un pouvoir de négociation qui peut influencer la stratégie des entreprises.
En influençant le prix et certaines conditions de vente, les clients déterminent la rentabilité du marché.
Des clients peu nombreux face à une offre de producteurs multiples ont ainsi de plus grandes possibilités de négociation (ex : dans la grande distribution).
Les clients disposent ainsi d’un fort pouvoir de négociation si :

• ils sont nombreux (oligopsone) ;
• ils peuvent produire l’offre eux-mêmes ;
• il existe des sources d’approvisionnement de substitution ;
• le coût de transfert (coût que doivent supporter les clients pour changer de fournisseur) est faible ou élevé et prévisible (quand l’offre est standardisée).

Exemple pour une entreprise qui développe une application mobile autour de la musculation, la menace des clients ne serait pas forte car ils sont nombreux et dispersés. Leur menace est donc moindre.

L’activité d’une entreprise peut également être impactée par le pouvoir des fournisseurs qui dépend de leur capacité à imposer aux entreprises leurs conditions de marché.
Le coût du changement des fournisseurs peut varier en fonction de leur nombre, la force de leur marque ou de la différenciation de leurs produits.
Ainsi, les fournisseurs disposent d’un pouvoir élevé lorsque :

• leurs clients sont nombreux et dispersés ;
• ils sont eux-mêmes concentrés et peu nombreux ;
• le coût de transfert est fort ;
• il existe une menace d’intégration vers l’aval de la part des fournisseurs.

Pour une application de musculation, le pouvoir des fournisseurs est élevé.
En effet, avec un nombre réduit de professeurs qui donnent des conseils et des cours sur l’application, ils peuvent avoir un impact fort sur l’activité de l’entreprise. Leur pouvoir de négociation est donc élevé.

Pour une entreprise, les produits de substitution sont une alternative aux offres traditionnelles (ex : les trottinettes électriques à la place des trottinettes classiques pour une entreprise qui produit ce type d’objets).
Ces produits de substitution sont une menace quand leur rapport qualité-prix est supérieur à celui de l’offre établie.
Ainsi, quand une entreprise fait face à un produit de substitution qui menace son activité, elle peut :

• augmenter la fonctionnalité de ses produits (par exemple ajouter des fonctionnalités) ;
• réaliser une baisse de ses prix ;
• abandonner l’offre actuelle et passage au produit de substitution ;
• abandonner ce marché.

Pour l’entreprise développant une application de musculation, les produits de substitution sont nombreux : vidéos YouTube, articles en ligne, livres, autant de produits qui ont un pouvoir important sur l’entreprise de musculation.

Il sera donc conseillé d’adapter son offre pour endiguer les effets de ses produits de substitution (baisse des prix, nouveaux produits, nouvelles formules d’abonnement, vidéos en ligne gratuites).

L’arrivée sur un marché de nouveaux concurrents est l’une des principales menaces pour l’activité d’une entreprise.
L’arrivée de ces nouveaux entrants peut néanmoins être ralentie par l’existence de plusieurs barrières comme :

des brevets techniques ou technologiques déjà existants ;

• des investissements réalisés en amont ;
• l’image et la représentativité de marque des entreprises déjà établies ;
• le temps nécessaire pour les rentabiliser ;
• les normes ou les standards techniques ;
• les mesures protectionnistes ;
• les barrières culturelles.

Ces moyens compliquent l’entrée de nouveaux concurrents. Il s’agit pour les concurrents déjà en place sur un marché, de renforcer ces barrières à l’entrée.

Pour l’entreprise développant son application de musculation, la menace de nouveaux entrants sur le marché est forte. De nouvelles applications peuvent se créer chaque jour, notamment des versions gratuites.

Pour résister à cela, l’entreprise peut s’appuyer sur son ancienneté et sa renommée.

Au sein d’une industrie, différents concurrents luttent pour d’accroître ou maintenir leur position, ainsi que leur part de marché.

Il existe donc entre concurrents des rapports de forces plus ou moins intenses. Ces rapports dépendent de plusieurs facteurs comme :

• de ses perspectives de développement ;
• du caractère stratégique du secteur ;
• de l’attractivité du marché ;
• de l’existence de barrières à l’entrée et à la sortie ;
• du nombre d’entreprises ;
• de la taille et de la diversité des concurrents ;
• de l’importance des coûts fixes ;
• de la possibilité de réaliser des économies d’échelle ;
• du caractère banal ou périssable des produits…

Pour l’application de musculation, l’intensité de la rivalité est donc moyenne. Si de nouveaux concurrents peuvent apparaître, l’enseigne à des armes en sa possession pour résister à cette nouvelle concurrence.

L’éclairage d’une scène est un élément incontournable d’une image, qu’elle soit figée ou en mouvement. La lumière apporte énormément de nuance et de subtilité à la narration en guidant le regard du spectateur.
Nous allons passer en revue les différentes techniques d’éclairage, ainsi vous pourrez, selon vos besoins et votre créativité, utiliser une technique seule ou la mélanger à d’autres techniques pour enrichir votre scène et votre récit.

La lumière clé (key light), comme son nom le suggère, est la lumière principale de la scène, qui illumine directement le sujet. L’intensité, la couleur et l’angle de cette lumière déterminent le rendu global de la photo. La lumière principale peut être une lampe de studio, un flash, ou la lumière naturelle, plus ou moins dure ou douce (voir l’article à venir sur les types de lumière et la diffusion de la lumière).

La lumière de remplissage ou débouchage (fill light) illumine aussi le visage du sujet mais de façon secondaire. Elle permet de déboucher les ombres créées par la key light et de réduire ainsi les effets de clair-obscur non désirés, comme l’ombre du nez sur un visage. C’est souvent une lumière douce (diffusée), et moins intense que le lumière clé. Ne pas utiliser de fill light peut donner des contrastes de lumière forts, dus aux ombres sur le visage, plus ou moins fortes en fonction de la dureté de la lumière clé. Parfois c’est un effet voulu, mais si on cherche un rendu plus doux, moins dramatique, la lumière de remplissage prend son importance et permet d’adoucir ces ombres.

Cette lumière de remplissage (ou débouchage) peut être une source artificielle (par exemple un flash) diffusée ou non, mais on peut aussi utiliser un réflecteur (comme un panneau blanc, un disque en aluminium ou par défaut un mur blanc) , par exemple en extérieur. On peut même refléter et rediriger les rayons de la lumière clé (lumière principale) vers le sujet selon un angle différent pour obtenir cette lumière de remplissage. Cette approche crée un un effet plus doux et subtil que d’utiliser directement une autre lampe.

Le contre-jour (ou back light ou rim light ) illumine le sujet de dos ; souvent (mais pas nécessairement) légèrement de côté. Cette lumière éclaire les contours du sujet qui permet de mieux le séparer du fond. Sans lui, le sujet n’est pas valorisé et semble se fondre dans le décor. La rim light dessine le contour du sujet. Le soleil peut servir de rim light pour un effet très glamour.

Ces jeux d’éclairage et ombres peuvent être obtenues en studio ou en extérieur, l’effet d’ombre assez forte exigeant toutefois une source de lumière bien définie, donc un type de lumière « dure », puisqu’au plus la lumière est diffusée, au moins il y a d’ombres. C’est donc en général plus facile de les créer avec un flash ou des lumières de studio peu ou pas diffusée, proches du modèles, ou un soleil direct et haut.

L’éclairage Butterfly porte ce nom parce qu’une ombre en forme de papillon se crée sous le nez du modèle . Ce style est aussi appellé Paramount parce qu’il a été beaucoup utilisé par les photographes d’Holliwood (et du studio Paramount Movies) dans les années 30.
C’est donc un schéma qui peut donner un style glamour un peu retro. Il est flatteur pour des sujets âgés, car il souligne moins les rides qu’un éclairage latéral. Par contre c’est un schéma qui souligne les pommettes , ce qui peut être flatteur pour des visages très définis, mais peu aussi amplifier trop les cernes et creuser trop les joues , ce qui peut donner un air fatigué.. voire morbide

Dans ce schéma, la source principale de lumière fait directement face au visage du modèle. Il est également en hauteur, au-dessus et légèrement derrière l’appareil photo. Le photographe est donc sous la source de lumière principale, la hauteur de la lumière étant fonction du modèle, à une hauteur correspondant environ à 11 heures comme montré sur la vue de profil. La lumière doit être en hauteur pour obtenir l’ombre en papillon sous le nez. Elle doit également être assez définie (orientée et forte) et proche du sujet pour être capable de créer l’ombre. C’est donc un schéma qui peut etre obtenu en extérieur au soleil ou avec un projecteur. Ce schéma est parfois complété en plaçant un réflecteur directement sous leur menton, que le modèle lui-même peut tenir, pour déboucher les ombres du cou et des joues.

Dans l’éclairage Loop, l’ombre du nez n’est plus sous le nez comme dans l’éclairage Butterfly, mais forme une petite boucle sur une des joues du modèle.
Pour créer cet éclairage, simplement à partir de Butterfly, la source de lumière est déplacée à environ 30 à 45 degrés par rapport à l’axe du visage (supposé face à l’appareil photo dans le schéma. La source de lumière doit également être légèrement plus haut que la hauteur des yeux, comme dans l’éclairage Butterfly, pour pouvoir créer cette ombre très définie du nez.

Dans l’éclairage Loop l’ombre du nez est petite, et ne touche pas l’ombre qui commence à se former sur la joue (sinon on passe au mode d’éclairage suivant, le Rembrandt). Il faut placer la source de lumière pour garder l’ombre petite et légèrement orientée vers le bas, mais être conscient qu’une source de lumière trop haute va créer des ombres étranges… Un autre point important est qu’une lumière trop haute risque de ne plus se refléter dans les yeux du modèle, et provoquer la perte des « catchlights »… la catchlight est le reflet de la source de lumière dans les yeux, qui donne beaucoup de vie au sujet.

Quand on continue à déplacer la source de lumière sur le cercle, l’ombre du nez s’allonge et rejoint la zone déjà à l’ombre de la joue, ne laissant qu’un petit triangle de lumière pris au piège sur la joue; comme on le voit sur le portrait de Clint Eastwood . C’est l’éclairage Rembrandt, ainsi nommé car le peintre utilisait souvent ce schéma de lumière dans ses toiles. Remarquez que c’est l’ombre nez-joue qui compte, peu importe le chapeau sur la photo de Clint.

L’éclairage Rembrandt (tout comme le split qui va suivre) est plus dramatique que le Loop et le Butterfly, et donne un ressenti plus sombre à votre image.

Le script ou le scénario, décrit tous les éléments (audio, visuel, comportements et dialogues) nécessaires pour raconter une histoire dans un film ou à la télévision .

Il vous faudra passer par des révisions et des réécritures et votre script devra finalement être interprété par des producteurs, des réalisateurs et des acteurs.

Lisez les scénarios de vos films préférés. Recherchez des scénarios en ligne et faites le tri entre ce que vous aimez et ce que vous n’aimez pas. Voyez comment l’action est dépeinte, comment les dialogues sont écrits et comment les personnages sont développés.

En supposant que vous avez déjà une idée de ce que vous allez écrire, faites l’ébauche de votre histoire en regroupant les détails de l’intrigue, les relations, les traits de caractère des personnages qui dirigeront votre histoire.
Quels sont les éléments les plus importants de votre histoire ? Comment interagissent les personnages dans l’histoire et pourquoi ? Y a-t-il des failles dans l’intrigue ? Développez tous ces points par écrit.

Commencez avec un débit de base pour votre récit. Mettez toute votre attention sur le conflit de l’histoire puisque les conflits conduisent au drame.

Gardez à l’esprit la longueur du texte. Dans un script, chaque page équivaut approximativement à une minute à l’écran. La durée moyenne d’un script de trois minutes est donc de 3 pages.

Écrivez votre histoire en trois actes.

Les piliers d’un scénario sont ces trois actes. Chaque acte devrait pouvoir fonctionner indépendamment et lorsqu’ils sont regroupés, l’histoire devrait prendre tout son sens.

Premier acte : c’est la base de l’histoire. Introduisez votre monde et vos personnages. Donnez le ton de l’histoire (comédie, action, romance, etc.). Présentez votre protagoniste et commencez à explorer le conflit qui va conduire l’histoire. Une fois que le protagoniste est orienté vers son objectif, vous pourrez commencer le deuxième acte.

Deuxième acte : cet acte est la partie principale de l’histoire. Le protagoniste se heurte à des obstacles lorsqu’il essaie de résoudre le conflit. Les intrigues secondaires sont généralement introduites dans ce deuxième acte. Tout au long de cet acte, le protagoniste doit montrer des signes de changement.

Troisième acte : dans le troisième acte, l’histoire se résout. Le troisième acte contient le dénouement de l’histoire et se termine par l’affrontement final de l’objectif. Puisque l’histoire a déjà été établie dans le deuxième acte, le troisième acte est beaucoup plus rapide et condensé.

Les séquences sont des parties de l’histoire qui fonctionnent indépendamment du conflit principal. Ils ont un début, un milieu et une fin. Une séquence a tendance à se concentrer sur un personnage spécifique.

Les scènes sont les évènements de votre film. Elles ont lieu dans des endroits spécifiques et servent toujours à faire avancer l’histoire. Les scènes qui ne servent à rien paraitront comme des erreurs dans l’esprit de votre public et nuiront à votre histoire.

Une fois que vous aurez vos scènes, vous devrez faire interagir vos personnages. Les dialogues peuvent être une des choses les plus difficiles à écrire. Chaque personnage doit avoir sa propre voix distincte et crédible.

Les dialogues réalistes ne sont pas nécessairement de bons dialogues. Les dialogues devraient avoir pour but de faire avancer votre histoire et développer vos personnages. Vous ne devriez pas vous soucier de rendre votre dialogue réaliste, car les conversations dans la réalité sont souvent ternes et sans vie.

Lisez vos dialogues à voix haute. Sont-ils crédibles, stéréotypés ou trop exagérés ? Est-ce que tous vos personnages parlent de la même façon ?

Maintenant que vous avez mis toutes vos idées sur papier, recherchez tous les maillons faibles, les incohérences ou tout ce qui pourrait entacher votre histoire. Est-ce que vous déviez parfois trop de l’intrigue principale ?

Y a-t-il trop de détails inutiles ou des répétitions ? Votre scénario est-il suffisamment crédible ?

Coupez tout ce qui ne fait pas avancer votre intrigue et qui risquerait de rendre votre histoire ennuyante.

Choisissez des personnes aux personnalités et aux gouts différents pour avoir des opinions diverses. Demandez-leur de vous donner un avis franc et direct. Dites-leur clairement que vous avez besoin de critiques constructives et non de flatteries ou de mensonges.

Vérifiez et modifiez votre script autant de fois qu’il le faudra. Cela demandera une patience, une volonté et une motivation incroyable, mais une fois que votre scénario sera sur pied, vous serez heureux d’avoir pris votre temps !

Il y a plusieurs parties différentes du script qui nécessitent un formatage spécifique afin qu’elles soient conformes aux normes de l’industrie.

Le titre de la scène : cela prépare le lecteur en décrivant la situation. Le titre de la scène est écrit en majuscules. Tout d’abord, il faut spécifier si la scène se déroule à l’intérieur ou à l’extérieur en écrivant « INT » ou « EXT ». Ensuite, vous devrez écrire l’emplacement, suivi du moment de la journée. Ne terminez jamais une page avec un titre de scène, poussez-le vers le bas jusqu’à la page suivante.

L’action : c’est le texte descriptif du scénario. Écrivez au présent et avec une voix active. Écrivez des paragraphes courts pour retenir l’attention du lecteur. Une bonne taille de paragraphe se situe autour de 3 à 5 lignes.

Le nom du personnage : avant le début du dialogue, le nom du personnage qui parle est tapé en majuscules et en retrait de 3,5 pouces de la marge de gauche. Le nom peut être soit le nom du personnage réel, sa description, si le personnage n’est pas nommé dans le film ou sa profession. Si le personnage parle hors de l’écran, écrivez « (OS) » (pour « off screen »), à côté du nom de votre personnage. Si le personnage fait de la narration, écrivez « (VO) » pour voix off, à côté de son nom.

Le dialogue : quand un personnage parle, le dialogue est en retrait de 2,5 pouces à partir de la marge de gauche et entre 2 et 2,5 pouces de la marge de droite. Le dialogue se trouve directement sous le nom du personnage.

Les plans larges, appelés aussi « Plan d’ensemble » ou « plan général » ont une vocation descriptive.

Ils situent généralement l’environnement dans lequel se déroule l’intrigue. Ils permettent de donner des informations sur le lieu, mais aussi bien souvent sur le moment de la journée, le climat…

Cela peut aussi servir par exemple pour signifier qu’un personnage est perdu, et mettre en avant l’immensité d’une menace. Il y a de nombreuse possibilité, dont le contexte va définir l’utilisation.

Les plans moyens appelés aussi « Plans américains » ou « plans rapprochés » montrent l’action.
Les personnages ou objets en mouvement (voitures) prennent l’ascendant sur le décor.

On se focalise ici sur leurs actions au sein de l’espace, du lieu. Il s’agit de plan basique, les plus utilisé quand un personnage fait quelque chose.
Le plan moyen peut servir pour de très nombreuses scènes comme l’introduction d’un personnage ou simplement pour montrer une action d’un protagoniste déjà connu. La durée du plan moyen est alors dépendante de la quantité d’informations que l’on souhaite communiquer au spectateur ou de l’importance du jeu d’acteur.

L’angle de vue le plus fréquemment utilisé est celui ordinaire et positionne l’horizon au niveau des yeux du personnage, comme le recommande la règle des tiers.

Le plan américain cadre donc les personnages à hauteur de cuisses.

La principale conséquence de cela est que le jeu du personnage est clairement mis en avant. Le réalisateur n’a pas obligation de combler l’espace avec le décor ou un objet.

Deux personnages peuvent facilement être cadrés côte à côte dans un plan américain. Cela s’avère donc très utile lors de dialogues si le réalisateur ne souhaite pas modifier constamment la position de sa caméra ou tout simplement pour intensifier l’action, rendre les gestes des personnages plus visibles.

Il parait assez similaire au plan rapproché taille qui cadre un peu plus haut.

Le plan rapproché taille cadre les personnages au niveau de la ceinture. L’accent est mis sur le personnage et ce qu’il dit ou fait sans pour autant oublier son corps. Certains éléments du décor apparaissent encore en arrière-plan pour placer le contexte.

Attention de ne pas le confondre avec le plan américain qui, prenant un peu plus de recul, se coupe à hauteur des cuisses.

Le plan rapproché poitrine sera perçu comme plus intime par le spectateur. Il cadre les personnages un peu en dessous les aisselles. L’accent n’est plus mis sur la partie haute du corps du personnage mais bien sur son visage.

L’objectif est clairement de comprendre les intentions et la psychologie du personnage. Attention de ne pas le confondre avec un gros plan qui, même s’il attire l’attention sur les expressions faciales, ne donne pas une vision claire du décor.

L’angle de vue privilégié est celui ordinaire et souvent subjectif (c’est-à-dire que l’on voit à travers les yeux d’un autre personnage).

Le gros plan est celui des émotions. Il cadre de près les visages, et permet de dévoiler les sentiments du personnage au spectateur. La moindre expression (regard, rictus…) sera apparente et interprétée par le spectateur. Cela pourra avoir pour effet de favoriser l’identification ou, au contraire, le rejet vis-à-vis d’un personnage.

Le gros plan isole le visage du personnage, en coupant celui-ci au niveau ou juste au-dessus des épaules. Il est très souvent employé pour montrer, mettre en avant, le regard du personnage, afin d’amener le spectateur à rentrer dans les pensées intimes de celui-ci.

Souvent utilisé dans les scènes de dialogue, le gros plan durera généralement moins longtemps que des plans plus larges. Il servira aussi à montrer la tristesse, la colère ou encore la surprise d’un personnage.

Pour un gros plan sur un objet, on parlera plus communément de plan serré.

On dit d’une séquence qu’elle est tournée en champ/contre-champ quand les plans se succèdent suivant deux axes symétriques ou asymétriques opposés.

C’est le cas par exemple d’un dialogue entre deux personnages, où alternent des plans montrant l’un des personnages et des plans montrant l’autre personnage, l’un à côté de l’autre ou l’un face à l’autre. Les deux axes du champ/contre-champ sont soit filmés séparément, le comédien hors-champ donne alors la réplique, soit avec deux caméras tournant simultanément, les deux comédiens étant alors l’un dans le champ de la première caméra, et l’autre dans le champ de la deuxième.

Zone de netteté en profondeur d’une image, en avant et en arrière du plan de mise au point. L’ampleur de cette zone dépend de l’optique utilisée: plus la focale est courte, plus la profondeur de champ est vaste ; plus la focale est longue, plus la profondeur de champ s’amenuise.

Elle dépend aussi de l’éclairement de la scène, et en conséquence de l’ouverture plus ou moins grande du diaphragme: plus le diaphragme est fermé, plus grande est la profondeur de champ ; plus le diaphragme est ouvert, plus restreinte est la profondeur de champ.

« Silence! »: ordre donné par le réalisateur, ou le premier assistant réalisateur, ou le chef de plateau, avant le tournage d’un plan, qui précède l’ordre « Moteur! ».

« Moteur! »: expression utilisée traditionnellement pour demander que les techniciens concernés mettent en fonctionnement caméra et enregistreur du son. La réponse usuelle est « Ca tourne! ».

« Ça tourne! »: réponse du preneur de son au « Moteur! » demandé par le réalisateur, confirmé souvent par le premier assistant-réalisateur (« Moteur demandé! »), le cadreur demandant ensuite l' »Annonce! ». Vient ensuite le « Action! », apanage du réalisateur, lançant le jeu des comédiens.

Annonce: énoncé de vive voix du numéro de plan et de prise réalisé avant l’activation du clap pour l’identification sonore du plan.

Clap: c’est le son produit par une ardoise (sur laquelle sont inscrits notamment le titre du film, le numéro de la séquence, du plan et le numéro de la prise de vues) dont on rapproche rapidement une partie articulée qui vient la frapper. Cette partie est peinte en chevrons blancs et noirs qui apparaissent flous lors de leur rapprochement rapide de la partie fixe et nets quand elle la heurte. La première image nette correspond à l’émission du bruit de claquement et permet, en préambule au montage, à synchroniser la bande image et la bande-son tirées des rushes du tournage. Le « clap de fin » est un clap enregistré en fin de prise, qui a la même fonction de repère de synchronisation que le clap de début, mais qui permet un démarrage de la prise de vues moins solennel, ou bien évite le « clac » qui peut troubler par exemple un animal participant à la scène. Aujourd’hui, les claps sont des ardoises digitales qui déroulent en continu le Timecode de l’enregistrement.

« Action! »: invitation du réalisateur aux comédiens à jouer la scène prévue dans le plan.

« Coupez! »: prononcé par le réalisateur pour interrompre la prise de vues au tournage, ou par l’un des techniciens (en cas d’avarie technique ou de surgissement d’un élément non prévu, véhicule, curieux, bruit parasite, micro dans le cadre, etc.).

« Dans la boîte »: terme signifiant que la prise de vues tournée est bonne et qu’on peut passer au tournage du plan suivant.

Script: document comportant les différentes actions, les répliques des acteurs, rédigées par le scénariste, et aussi toutes les données techniques nécessaires au tournage, indiquées par le réalisateur et annotées par d’autres techniciens.
Scripte ou script: technicien de la production, collaborateur du réalisateur, du caméraman, de l’ensemblier, de l’accessoiriste, de l’habilleur, du coiffeur, responsable de la continuité, des raccords de plan à plan et de séquence à séquence, de la cohérence générale du récit et du respect du texte, conformément au script.

Un exemple de storyboard, non des moindres

Hitchcock : Psycho

Attention les images sont soumises à des droits

Pas vraiment besoin de savoir dessiner pour créer un story bord.

L’exemple de Martin Scorcese ci-contre tend à le prouver

Attention les images sont soumises à des droits